Il caratteristiche teatrali più importanti sono strettamente correlati agli elementi comuni a qualsiasi opera o prestazione. Il termine teatro ha le sue origini nella parola greca theatron, che significa "posto dove guardare".
Pertanto, in origine, il teatro si riferiva sia a un luogo che a una particolare forma di percezione. Oggi, il concetto di teatro può riferirsi a: un edificio, un'attività ('andare a' o 'fare' teatro), un'istituzione e una forma d'arte.
Il teatro è la branca dell'arte scenica legata alla recitazione e alla rappresentazione di storie di fronte a un pubblico dal vivo, utilizzando una combinazione di discorsi, gesti, scenari, musica, suoni e spettacolo che cercano di stimolare ed emozionare lo spettatore..
Anche la mente gioca un ruolo importante nel teatro, poiché questa espressione artistica è decifrata secondo la percezione e l'immaginazione dello spettatore..
Tutti i giochi hanno elementi comuni che caratterizzano questa arte. Successivamente, sarai in grado di vedere più in dettaglio le caratteristiche più importanti.
È ciò che accade nel lavoro. Si riferisce all'azione. L'organizzazione di eventi o la selezione e l'ordine delle scene in un'opera teatrale. Secondo Aristotele, è un concetto astratto che si riferisce alla disposizione degli incidenti che costituiscono la materia prima e le componenti della storia..
La trama è il modo in cui questi incidenti sono strutturati in un insieme coerente. Se la disposizione dell'ordine originale viene modificata, verrà generato un nuovo frame. Due tipi di trama predominano nel teatro. Ecco le sue principali caratteristiche e gli elementi di differenziazione:
Mentre la trama si riferisce all'azione dell'opera, il tema si riferisce al significato dell'opera. A volte è chiaramente indicato nel titolo.
Altre volte può essere affermato attraverso il dialogo di un personaggio che funge da voce del drammaturgo. A volte l'argomento è meno ovvio e si pone solo dopo aver analizzato il contenuto dell'opera..
Sono le persone, gli animali o le idee rappresentate dagli attori nello spettacolo. In termini strutturali, i personaggi sono gli agenti dell'azione, quelli che forniscono le motivazioni affinché gli eventi della trama si verifichino..
Ogni personaggio dovrebbe avere la propria personalità, età, aspetto, convinzioni, background socioeconomico e lingua. In base alle loro funzioni nel lavoro, è possibile delineare alcuni tipi di personaggi:
Questo è il punto di partenza dello spettacolo teatrale. È il testo con cui viene creata la commedia. Consiste in dialoghi, istruzioni di scena, descrizioni dei personaggi e simili in un'opera teatrale. Si riferisce alle parole scritte dal drammaturgo e interpretate dai personaggi.
Classe distintiva del lavoro. Il genere deriva da una parola francese che significa "categoria" o "tipo". La scelta del genere riflette il punto di vista dello scrittore nei confronti del soggetto.
I seguenti tipi di opere vengono solitamente eseguite in teatro: tragedia, commedia, melodramma e tragicommedia. Ciascuno di questi generi può essere ulteriormente suddiviso per stile e contenuto in:
È un'imitazione di un'azione seria, complessa e rilevante. La tragedia è di natura seria nei suoi argomenti e affronta problemi profondi. Questi problemi profondi sono universali e suscitano compassione e paura nel pubblico mentre assistono all'azione..
Ha la visione di far ridere il pubblico, di solito è fisica ed energica. Il comportamento dei personaggi presenti è ridicolo e talvolta assurdo. Stimola il pubblico a correggere il comportamento della società.
È il dramma del disastro, circostanze al di fuori del controllo del protagonista causano gli eventi significativi della trama. Vengono rimossi gli aspetti di colpa e responsabilità del protagonista.
Il protagonista è vittima delle circostanze. Il melodramma ha un senso di rigoroso giudizio morale. Tutti i problemi presentati vengono risolti in modo ben definito. I buoni personaggi vengono premiati e quelli cattivi vengono puniti.
È un riflesso della vita stessa, contiene tutti i generi precedenti. Non pretende di giudicare, né dà giudizi assoluti. Si concentra sulle relazioni di carattere e mostra la società in uno stato di flusso continuo.
Sono elementi che servono a caratterizzare gli attori quando ricreano un personaggio.
Si riferisce all'abbigliamento e agli accessori indossati sul palco da un attore o performer. Gli antichi greci furono i pionieri nello sviluppo di costumi specifici per ogni personaggio, quest'arte servì a far rivivere il medioevo e rappresentare i grandi marchesi di corte.
È l'uso di cosmetici nell'alterazione dell'aspetto fisico di un attore al fine di adattare il suo aspetto a un determinato ruolo o per compensare gli effetti dell'illuminazione scenica.
L'arte del trucco è stata rivoluzionata dall'introduzione dell'illuminazione elettrica ea gas ed è ormai diventata una pratica altamente tecnica..
Il posizionamento, l'intensità e il colore delle luci, così come gli effetti sonori, aiutano il regista a comunicare l'atmosfera, l'umore o la sensazione in una scena.
L'illuminazione è stata riconosciuta come una caratteristica importante della produzione teatrale quando le prime rappresentazioni in interni furono date per la prima volta durante il Rinascimento, che prevedevano l'uso di candele e liquidi infiammabili..
Le innovazioni cruciali nella tecnologia di illuminazione includevano l'introduzione di lampade da terra, l'uso di riflettori per aumentare l'intensità dei fasci di luce e l'oscuramento delle luci nell'auditorium nel 1876..
Lo sviluppo dell'illuminazione a gas all'inizio del XIX secolo rappresentò un progresso importante nonostante i pericoli connessi. L'uso dell'illuminazione elettrica iniziò al California Theatre di San Francisco nel 1879.
Gli odierni sistemi di illuminazione nei teatri moderni sono controllati da cruscotti computerizzati altamente sofisticati, che possono coordinare l'illuminazione di un intero sistema. Altre recenti innovazioni hanno incluso esperimenti con luce ultravioletta, laser e olografia..
Gli effetti sonori sono i rumori generati per accompagnare una scena in uno spettacolo teatrale, che può essere prodotto dai computer o dagli attori dentro e fuori dal palco..
È la persona responsabile dell'unità totale di produzione e del coordinamento degli sforzi degli artisti. Il lavoro del regista è fondamentale per la produzione di un'opera teatrale, poiché è il regista che definisce la visione della produzione per tutte le persone coinvolte..
Il regista ha il compito impegnativo di mettere insieme molti pezzi complessi di una produzione: la sceneggiatura, gli attori, i costumi, le luci, il suono e la musica in un tutto unitario. Per svolgere questo compito, un manager ha bisogno di:
Il lavoro del regista si basa spesso su uno studio e un'analisi dettagliati della sceneggiatura da modificare. Molte attente letture della sceneggiatura aiutano il regista a sviluppare una visione individuale delle intenzioni del drammaturgo. La tua percezione influenzerà qualsiasi aspetto della produzione.
I registi studiano anche i personaggi della sceneggiatura, raccogliendo quante più informazioni possibili sui loro tratti fisici e psicologici, che è vitale per la selezione del casting..
Gruppo di persone che vedono il lavoro. Molti drammaturghi e attori ritengono che il pubblico sia l'elemento più importante del teatro, poiché tutto lo sforzo messo nella scrittura e nella produzione di un'opera teatrale è per il divertimento del pubblico..
A causa del fatto che in teatro gli interpreti sono in presenza diretta con il pubblico, si genera un flusso circolare di energia, l'attore colpisce il pubblico e viceversa. Questo effetto è amplificato dal fatto che il teatro è un evento comune..
L'esperienza di gruppo è indispensabile, poiché il gruppo rafforza le emozioni vissute dall'individuo e crea una coscienza collettiva. Quando un gruppo di individui risponde in modo simile a ciò che sta accadendo sul palco, la loro relazione con gli altri viene riaffermata e rafforzata..
Il grado di separazione tra il cast e il pubblico è ciò che differenzia il teatro convenzionale dal teatro partecipativo.
Nella prima, il pubblico usa la propria immaginazione per partecipare allo spettacolo mentre si distacca dall'azione. Nella seconda, gli attori interagiscono con il pubblico cercando di seguire un copione stabilito e improvvisato, enfatizzando lo sviluppo personale o la terapia di gruppo..
In teatro, al pubblico viene chiesto di accettare molti tipi di mondi immaginari. Un modo per differenziare questi regni immaginari è dividerli in quello che viene chiamato teatro realistico e non realistico..
Il realismo, che divenne la forma dominante del teatro europeo alla fine del XIX secolo, tenta di ricreare la vita così da vicino che il pubblico presume che debba essere la vita. Il non realismo, d'altra parte, tenta di trascendere la realtà osservata e presentare la parte di vita che esiste nella mente..
Tuttavia, è un errore presumere che questi due approcci si escludano a vicenda. La maggior parte degli spettacoli teatrali contiene un mix di elementi realistici e non realistici.
Serve a ricreare l'ambiente in cui si svolge la trama, la scenografia ha i seguenti obiettivi:
Tutti questi obiettivi vengono affrontati in molteplici incontri tra il regista, lo scenografo e il team di progettazione. Successivamente le idee si riflettono in schizzi, che dopo revisioni, analisi e modifiche permettono di ideare la scenografia che meglio si adatta alla storia e alla visione dei creativi.
Una volta completata questa fase, i progetti vengono consegnati a un direttore tecnico, che esegue le costruzioni, gli adattamenti e le installazioni necessarie sul palco per la materializzazione del progetto.
Sono le attrezzature teatrali, come tende, pavimenti, fondali o piattaforme, che vengono utilizzate in una produzione drammatica.
Esistono diverse categorie di oggetti di scena. Gran parte degli oggetti di scena portatili provengono dalla sceneggiatura e sono elementi richiesti dal regista. Lo scenografo di solito richiede anche oggetti di scena come i mobili che appaiono sulla scena, a volte c'è una sottile linea di demarcazione tra questo tipo di oggetti di scena e la scenografia.
Gli oggetti di scena sono qualsiasi oggetto in movimento che appare durante una performance, esclusi i costumi e il palcoscenico. Sono oggetti manipolati da uno o più attori. Un libro, una pistola, un bicchiere di vino, tra gli altri.
Rappresentano una divisione importante nello sviluppo del gioco. La maggior parte delle opere teatrali dall'era elisabettiana al XIX secolo sono state divise in cinque atti da drammaturghi o editori successivi.
Alla fine del XIX secolo, molti scrittori iniziarono a scrivere opere teatrali in quattro atti. Oggi, uno, due e tre atti sono i giochi più comuni..
È lo spazio in cui si incontrano attori o spettatori. È essenziale disporre di un'area in cui l'artista, performer, comunichi con un pubblico dal vivo..
Gli edifici teatrali si sono evoluti dagli anfiteatri all'aperto dei Greci e dei Romani, all'incredibile varietà di forme che vediamo oggi. È uno spazio che supporta lo scambio emotivo tra il cast e il pubblico.
Una convenzione teatrale è uno strumento pratico utilizzato dal drammaturgo o dal regista per aiutare a raccontare la storia dell'opera teatrale. La convenzione teatrale più comune è quella dei personaggi che parlano tra loro e fingono di non notare il pubblico..
Spesso chiamata la quarta parete o la convenzione del quarto schermo, simula l'esistenza di una divisione (invisibile) tra gli attori e il pubblico.
Quando esattamente è iniziato il teatro è un mistero. I cacciatori preistorici recitavano storie sulle loro spedizioni di caccia. Gli antichi egizi eseguivano canti sacri e ballavano per i loro dei nelle cerimonie religiose. Ma l'idea del teatro come intrattenimento drammatico è nata più tardi.
Le parole inglesi per tragedia e commedia sono note per provenire dalla lingua degli antichi greci. Anche se i greci non furono i primi a recitare, erano molto interessati alle origini della tragedia e della commedia..
Nei loro scritti, il filosofo Aristotele e altri scrittori greci hanno proposto teorie e creato ipotesi su come si è sviluppata la forma d'arte del teatro.
Le rappresentazioni greche venivano rappresentate in teatri all'aperto. All'inizio i teatri erano in aree aperte situate nel centro della città o vicino alle colline. Il pubblico era pronto ad ascoltare e guardare il coro cantare sulle avventure di un dio o di un eroe..
Verso la fine del VI secolo a.C. C., le strutture teatrali divennero più elaborate. Poiché il teatro è diventato sempre più popolare e competitivo tra le città, i teatri sono diventati più grandi con strutture in grado di ospitare fino a 15.000 persone alla volta..
Il teatro esiste da quando le persone si sono riunite per la prima volta per ascoltare qualcun altro raccontare una storia. Amici e familiari condividevano le responsabilità del pubblico e dell'attore, scambiandosi i ruoli finché qualcuno aveva una storia da condividere.
Il teatro moderno può essere più formale, con attori addestrati a ricostruire una storia e spettatori sofisticati che reagiscono a una messa in scena, ma l'idea di condividere le energie tra il cast e un pubblico dal vivo rimane immutata..
Nessun utente ha ancora commentato questo articolo.