Oswaldo Guayasamin (1919-1999) è uno degli artisti più importanti dell'America Latina, le cui opere sono state esposte nelle sale più importanti del mondo. La sua arte ha un profondo sentimento indigeno con una posizione ideologica e pittorica caratteristica del continente americano: il realismo sociale..
Nato a Quito e addestrato secondo i canoni tradizionali dell'arte, Guayasamín ha rotto con quegli schemi per catturare la realtà delle popolazioni indigene dell'America Latina che hanno subito l'oppressione, così come gli attacchi della colonia e l'incrocio di razze..
Con uno stile espressionista, le creazioni di questo artista ecuadoriano sono state nutrite dai muralisti messicani in termini di espressività, uso del colore e forza che trasmettono, per lasciare all'osservatore la sensazione dell'energia vitale dell'autore e, in questo modo, rendi nota la tua protesta.
Oltre a quell'essenza indigena, il suo lavoro è anche caratterizzato dall'appropriazione di tendenze d'avanguardia come il cubismo e l'espressionismo, senza perdere il realismo di mostrare una realtà della violenza che ha denunciato..
Ha realizzato mostre imponenti - più di 200 singole - nei più importanti musei del mondo, come in Francia, Spagna, ex Unione Sovietica, Cecoslovacchia, Polonia, Messico, Cile e Argentina.
Guayasamín è noto anche per fare amicizia con personaggi di livello mondiale, come il poeta Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, re Juan Carlos di Spagna, Gabriel García Márquez e Carolina de Mónaco, tra gli altri che ha interpretato..
Nel 1991 il governo dell'Ecuador ha riconosciuto il prolifico lavoro dell'artista e il suo contributo all'arte mondiale, per il quale ha deciso di creare la Fondazione Guayasamín, a cui il pittore ha donato tutte le sue creazioni e le sue collezioni d'arte..
Indice articolo
Oswaldo Guayasamín è nato a Quito il 6 luglio 1919 ed era il fratello maggiore di una famiglia di dieci persone. Suo padre, José Miguel Guayasamín, era un indigeno della tribù quechua; mentre sua madre, che si chiamava Dolores Calero, era meticcia.
Fin da giovanissimo ha mostrato la sua passione per la pittura realizzando caricature dei suoi compagni di classe e realizzando poster per il negozio che sua madre gestiva. Inoltre dipingeva quadri su pezzi di cartone che vendeva ai turisti per pagarsi gli studi..
Nonostante la ferma opposizione del padre, il giovane Guayasamín si iscrive alla Scuola di Belle Arti dell'Ecuador, dalla quale si diploma come pittore e scultore nel 1941, ricevendo anche il riconoscimento di essere il miglior studente della sua classe.
Appena un anno dopo la laurea, è riuscito a tenere la sua prima mostra nella capitale ecuadoriana. Questa mostra è stata caratterizzata dal suo carattere di denuncia sociale, che ha suscitato grande scalpore tra i partecipanti e la critica dell'epoca.
Con quello stile particolare, il giovane Guayasamín riuscì ad affascinare Nelson Rockefeller, che gli comprò diversi dipinti e lo sostenne nel suo futuro..
Dopo quella controversa mostra e con il sostegno di Rockefeller, Guayasamín si trasferì negli Stati Uniti, dove espose anche i suoi dipinti. Durante i 7 mesi di permanenza, ha visitato tutti i musei che ha potuto per entrare in contatto diretto con l'opera di El Greco, Goya, Velásquez e quella dei muralisti messicani Diego Rivera e Orozco..
Con i soldi che è riuscito a guadagnare, si è recato in Messico per incontrare un grande maestro, il muralista Orozco, che, colpito dal suo talento, gli ha permesso di essere suo assistente. Durante questa visita conosce anche Diego Rivera e da entrambi apprende la tecnica della pittura all'aperto. In Messico stringe amicizia con Pablo Neruda.
Nel 1945 compie un viaggio epocale: dal Messico alla Patagonia. In questo viaggio, ha girato ogni città e ogni città per prendere appunti e disegni di quella che è stata la sua prima serie di 103 dipinti chiamati Huacayñan, che in quechua significa "La via del pianto", il cui tema riguarda il nero, l'indiano e il meticcio.
In questo modo, tutto il suo lavoro ha iniziato a ruotare attorno al tema indigeno, sull'oppressione e la violenza di cui sono state vittime le popolazioni indigene..
L'opera monumentale Il modo di piangere È stato realizzato grazie al sostegno che la Casa de la Cultura ha dato a Guayasamín.
Questa serie fu esposta per la prima volta a Quito nel 1952 al Museo de Arte Colonial, e nello stesso anno a Washington e Barcellona (Spagna), durante la III Bienal Hispanoamérica de Arte. In quest'ultima manifestazione gli è stato conferito il Gran Premio per la Pittura.
Oltre ad avere mostre monumentali nei principali musei del mondo, l'opera di Guayasamín è presente anche in grandi costruzioni.
Ad esempio, un murale in mosaico di vetro veneziano è stato nel Centro Simón Bolívar di Caracas dal 1954, che si chiama Omaggio all'uomo americano.
Per il suo paese natale ha realizzato due impressionanti murales nel 1958. Il primo è La scoperta del Rio delle Amazzoni, realizzato anche in mosaico veneziano, che si trova nel Palazzo del Governo di Quito. L'altro è stato realizzato per la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università Centrale dell'Ecuador che riceve il nome di Storia dell'uomo e della cultura.
Nel 1982 un murale di oltre 120 metri che Guayasamín dipinse con polvere di marmo e acrilici fu inaugurato all'aeroporto Barajas di Madrid. Questa monumentale opera ha due parti: una è dedicata alla Spagna e l'altra all'America.
Il suo lavoro è presente anche presso le sedi Unesco di Parigi e San Paolo. I suoi monumenti adornano anche l'Ecuador: Alla giovane patria è a Guayaquil e Alla resistenza a Quito.
Grazie al suo lavoro prolifico, al suo carattere di denuncia sociale e al suo significato universale, Guayasamín ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua carriera.
Il suo lavoro è stato riconosciuto in tutto il mondo a seguito del fatto che nel 1957 ha ricevuto il premio per il miglior pittore del Sud America, assegnato dalla Biennale di San Paolo, in Brasile. Ciò ha segnato il consolidamento della sua internazionalizzazione.
Nel 1976, insieme ai suoi figli, ha creato la Fondazione Guayasamín per donare il suo patrimonio artistico all'Ecuador. Attraverso questa fondazione ha potuto organizzare tre musei: arte precolombiana, arte colombiana e arte contemporanea..
È stato nominato membro della Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Spagna e membro onorario dell'Academia de Artes de Italia. È stato anche nominato vice presidente e successivamente presidente della Casa della Cultura di Quito nel 1973..
Inoltre, è stato il primo artista latinoamericano a ricevere una decorazione dal governo francese; questo è successo nel 1974.
Morì il 10 marzo 1999 senza aver completato la sua opera più grande., La cappella dell'uomo, concepito dall'artista come un tributo all'umanità, in particolare al popolo latinoamericano. È un museo d'arte costruito a Quito che mira a riunire l'arte latinoamericana dal Messico alla Patagonia.
La produzione di Guayasamín è segnata fin dai suoi inizi dal suo profondo spirito indigeno ed è carica di un alto contenuto di denuncia sociale. In questo modo ha potuto varcare i confini dei canoni tradizionali e diventare uno dei più strenui difensori delle popolazioni indigene dell'America Latina..
Per sviluppare il suo stile personale, ha bevuto dall'influenza dei muralisti messicani, in particolare dal suo maestro Orozco. Fu anche un fervente esponente dell'espressionismo, che dava a tutta la sua creazione un tocco umanistico riflettendo il dolore e la sofferenza sofferti da buona parte dell'umanità..
In questo modo, il lavoro di Guayasamín è parte di quella corrente espressionista in cui la realtà espressiva conta di più senza occuparsi della realtà esterna, ma piuttosto delle emozioni che suscita nell'osservatore..
Per questo il pittore ha affermato che “la mia pittura è ferire, graffiare e colpire il cuore delle persone. Per mostrare cosa fa l'uomo contro l'uomo ”. Ciò è particolarmente evidente nei loro volti sfigurati e tristi che trasmettono con forza il dolore della loro gente..
In questo senso, il suo lavoro è centrato sulla figura umana, con colori vibranti e temi sociali..
Nonostante abbia adattato il suo lavoro alle esperienze e alle tecniche che il contatto con i grandi artisti dell'epoca gli ha lasciato, ha sempre mantenuto l'espressione del sentimento umano sulla sua tela. In tutta la sua creazione si possono differenziare tre età, che sono le seguenti:
La Fondazione Guayasamín è riuscita a raccogliere alcune delle prime creazioni dell'artista, che ha iniziato a dipingere e disegnare all'età di 7 anni. Quando è entrato alla Scuola di Belle Arti all'età di 12 anni, ha affascinato insegnanti e compagni di classe con il suo virtuosismo. Già a quell'età inizia a lavorare sul tema sociale che poi segnerà tutta la sua carriera.
Quello che viene considerato come il suo primo stadio è quello che viene chiamato come la sua prima serie: The Road of Crying.
Questa tappa si svolge tra il 1945 e il 1952 e si concentra principalmente sul viaggio che ha fatto con i suoi amici in tutto il Sud America, in cui si è fermato a visitare ogni città per apprendere la loro realtà..
Grazie agli appunti e ai disegni che ha realizzato durante il viaggio, ha lasciato in eredità al mondo Huacayñan, o La via del pianto, la sua prima serie di 103 dipinti in cui cattura il problema di indiani, neri e meticci attraverso archetipi universali che compaiono in ambientazioni con simboli ancestrali, come la luna, il sole e le montagne.
Con tutto il suo carico simbolico universale, questa serie è stata quella che gli ha dato un posto nelle arti mondiali.
In questa fase che si è sviluppata negli anni '60, Guayasamín ha dimostrato che il contenuto estetico non è ciò che è importante nel suo lavoro ma il contenuto sociale, il messaggio di un uomo contro l'oppressione, la violenza e la sofferenza.
L'origine di questa denuncia risale a quando in gioventù un amico d'infanzia fu assassinato dalla repressione a Quito. Da lì l'artista ha intrapreso la crociata per ritrarre la violenza dell'uomo contro l'uomo per lasciare un messaggio di ribellione e di lotta all'alienazione..
Questa ribellione è evidente agli occhi delle sue figure, che chiedono un cambiamento. Le loro figure hanno una smorfia di dolore nonostante la serenità che mostrano, le loro mani invocano speranza. Tutto ciò si riflette con enormi pennellate verticali per segnare ulteriormente il dolore.
Con questo lavoro, Guayasamín ha scosso il mondo esponendo tutta la crudeltà dell'uomo durante il XX secolo. Per questo è riuscito ad esporre nelle principali città occidentali del mondo, suscitando scalpore sia nella critica che nella comunità..
Questo ciclo è iniziato negli anni Ottanta come omaggio a sua madre, figura trascendentale della sua vita, alla quale ha dichiarato il suo amore e la sua gratitudine per averlo sempre sostenuto..
Questa serie segna un cambiamento nel lavoro dell'artista senza che questo significhi che le figure, ora più serene di prima, perdano in qualche misura il loro messaggio di denuncia e critica..
L'età della tenerezza, o Finché vivo mi ricordo sempre di te, Si compone di 100 opere il cui centro è un omaggio alla madre; infatti si riferisce in generale alla figura materna inclusa la Madre Terra.
Questo ensemble è anche considerato un inno ai diritti umani. È l'ultimo lavoro che lo ha occupato, dal 1988 al 1999.
Per il suo peculiare stile estetico, ma soprattutto per il suo tema incentrato sul lasciare un messaggio di ribellione e denunciare l'umanità, Guayasamín è riuscito con la sua arte a varcare i confini del suo nativo Ecuador e ad occupare un posto d'onore nelle arti universali.
Questo è stato così grazie al fatto che la sua creazione ha una particolare espressività del tempo che ha dovuto vivere, per trasmettere un messaggio che ha risvegliato la coscienza dell'umanità ed è riuscito a generare il grido di ribellione..
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