Il virtualità teatrale è la capacità intrinseca che ogni testo drammatico ha di essere rappresentato in scena, cioè di diventare un'opera teatrale. Proprio questa è una delle caratteristiche principali che distinguono il genere letterario drammatico da quello narrativo (romanzi, racconti, leggende, favole) e da quello lirico (odi, elegie, ecloghe).
In questo senso, la nozione di virtualità teatrale è correlata ai concetti di testo drammatico e testo teatrale. A questo punto, è conveniente rivedere l'origine etimologica delle parole dramma e teatro. Il primo viene dal greco bevuto, che si traduce "fare" o "agire", e il secondo viene da theatron, Anche termine greco che significa "posto da vedere".
Così, i drammaturghi concepiscono le loro opere per essere rappresentate. Pertanto, i suoi testi contengono indicazioni molto ricche, anche se generali, su come dovrebbero essere messi in scena. Questo fa sì che presenti due livelli con diversi gradi di stabilità: il testo manifestato verbalmente (più o meno stabile) e la componente scenica (variabile).
Per quanto riguarda il testo teatrale, ha un rapporto più stretto con la produzione e la recitazione. La virtualità teatrale si materializza in questi spazi. Nella messa in scena ci sono elementi che sono esplicitamente richiesti dal testo letterario, o chiaramente sottintesi da esso. Ma ci sono anche elementi aggiunti dalla produzione.
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Forse, uno degli elementi del dramma in cui si può meglio apprezzare in cosa consiste la virtualità teatrale è nelle indicazioni o istruzioni del palcoscenico. Tradizionalmente, il drammaturgo le scrive per informare i lettori su vari dettagli della messa in scena della sua opera.
Questi includono lasso di tempo, considerazioni sul set, requisiti di produzione, ingressi e uscite, azione sul palco e performance di linea..
In alcuni casi, forniscono anche informazioni riguardanti lo stile e il tono del lavoro. Inoltre, offrono guida e ispirazione per il team creativo..
D'altra parte, va notato che questi non sono scritti per essere pronunciati ad alta voce in una produzione completa. Queste istruzioni sono formattate in modo diverso dalla finestra di dialogo e sebbene non ci siano regole uniformi, sono generalmente scritte in corsivo e spesso tra parentesi.
Ci sono diversi elementi tecnici che contribuiscono alla virtualità teatrale. In larga misura, questi elementi determinano le possibilità che un testo drammatico ha di diventare un testo teatrale. Alcuni di essi verranno descritti di seguito..
Un atto è la parte del gioco che si svolge tra le interruzioni. È la divisione più grande del tuo copione e consiste in un gruppo unificato di attività. L'atto contiene divisioni più piccole, come immagini e scene.
Ora, i lunghi drammi moderni hanno due o tre atti. La struttura in due atti è più popolare perché un'interruzione più piccola consente al drammaturgo di rendere l'azione più intensa..
In passato, la forma in cinque atti era lo standard, ma non è aggiornata. La struttura in quattro atti non si è mai materializzata.
Le scene sono segmenti tradizionali in testi drammatici e svolgono varie funzioni. Questi possono indicare cambiamenti nel tempo, cambiamenti di luogo, salti da una sottotrama all'altra, introduzione di nuovi personaggi e riorganizzazione degli attori in scena..
D'altra parte, le scene non hanno una durata preimpostata. Questi possono durare pochi minuti o anche l'intero atto. Nelle opere teatrali contemporanee è comune che il cambio tra le scene sia indicato visivamente, di solito apportando modifiche all'illuminazione. Ma questi possono anche essere differenziati dall'entrata e dall'uscita degli attori.
Le immagini sono grandi sequenze all'interno delle strutture drammatiche. La sua superficie è molto più grande e i suoi contorni più imprecisi di quelli delle scene.
Questi sono legati a grandi cambiamenti nello spazio, nell'ambiente o nel tempo. Di regola. Significano grandi cambiamenti nello scenario.
Le annotazioni dettagliano i dettagli della messa in scena dello spettacolo. Tra l'altro, indicano agli attori dove sedersi, stare in piedi, muoversi, entrare e uscire.
Inoltre, possono essere usati per dire a un attore come dare forma alla sua interpretazione. Queste note possono descrivere come il personaggio si comporta fisicamente o mentalmente e sono usate dal drammaturgo per guidare il tono emotivo dell'opera. Alcuni script contengono anche note su illuminazione, musica ed effetti sonori..
In questo senso, i drammaturghi affrontano questi vincoli in vari modi. Alcuni descrivono le istruzioni dello scenario in grande dettaglio. Altri scrittori si concentrano maggiormente sull'azione scenica.
Alcuni drammaturghi specificano come devono essere interpretate determinate linee inserendo un avverbio prima di una linea di dialogo, ad esempio "furtivamente".
Allo stesso modo, alcune di queste istruzioni possono diventare nuove, poetiche o non convenzionali. Quando questo è il caso, possono rappresentare grandi sfide per la lettura..
Storicamente, le istruzioni per le scene negli script pubblicati sono state prese dalla guida del gestore della scena. Attualmente la quantità, il contenuto, lo stile e il formato delle opere pubblicate sono appannaggio dei drammaturghi, con occasionali contributi dell'editore..
A parte gli interventi dei personaggi ad alta voce e davanti al pubblico, ma non "ascoltati" dagli altri attori..
Esponendo i pensieri di questi personaggi, svolgono la funzione di scoprire le loro vere intenzioni. Inoltre, servono allo spettatore per stabilire una certa complicità con gli attori.
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