Eduardo Ramirez Villamizar (1923-2004) è stato uno scultore e pittore colombiano. In quattro occasioni ha ottenuto il primo posto nel programma della National Artists 'Hall of Colombia. È stato riconosciuto per aver incorporato nuove tendenze artistiche nel paese, come lo stile astratto e minimalista..
Un tratto fondamentale di questo autore è stato il suo carattere cosmopolita, poiché i suoi continui viaggi gli hanno permesso di ampliare la sua percezione del mondo e rafforzare le sue creazioni. Questo perché includeva in ciascuna delle sue opere le esperienze e le conoscenze che stava acquisendo.
Il suo obiettivo era trasmettere che la vita era fugace e che le parole non erano necessarie per diffondere un messaggio. Affermava che attraverso le linee e il colore si poteva percepire una fonte di emozioni, poiché anche i ritratti ei rilievi erano poesie. Nel corso della sua carriera ha ricevuto diversi riconoscimenti, sia nazionali che internazionali.
Tra questi spiccano: il premio Guggenheim (1958), il premio Biennale di San Paolo (1969), la medaglia Colcultura (1979), l'insegna José Eusebio Caro (1979), l'Ordine Francisco de Miranda (1993) e il Cruz de Boyacá (1994). Nel 1999 il giornale Tempo pubblicò che Ramírez era una delle cento persone più importanti del XX secolo.
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Eduardo Ramírez Villamizar è nato il 27 agosto 1923 a Pamplona, un comune situato nel nord della Colombia. Era l'undicesimo figlio di Jesús Ramírez e Adela Villamizar. Suo padre era un gioielliere, ma alla fine del 1928 lo Stato ridusse i crediti per i microimprenditori; motivo per cui l'azienda ha smesso di produrre ed è fallita.
A causa della crisi economica, la famiglia dovette trasferirsi a Cúcuta nel 1929. In quella città Ramírez completò gli studi primari e secondari; Ma nel 1940 partì per Bogotà dove entrò all'Università Nazionale e si iscrisse alla facoltà di architettura. Tuttavia, nel 1944 sceglie di seguire la sua passione e si iscrive al liceo artistico.
Nel 1945 partecipa alla prima mostra collettiva e le sue opere ad acquerello si distinguono per essere espressioniste. Nel 1947, il direttore dell'Università del Cauca gli chiese di lavorare con Edgar Negret, uno scultore che gli insegnò le manifestazioni d'avanguardia che si stavano svolgendo in Europa..
L'amicizia con Negret è stata essenziale per Ramírez per decidere di viaggiare per conoscere altre culture che lo avrebbero aiutato a espandere la sua formazione artistica..
Nel 1950 si stabilisce a Parigi, dove si dedica allo studio delle opere di Víctor Vasarely, Pablo Picasso e Constantin Brancusi. Ha anche incontrato Auguste Herbin e Jean Dewasne. La condivisione con questi artisti e la vicinanza alle rappresentazioni d'avanguardia lo hanno portato a prendere le distanze dall'espressionismo e ad adottare uno stile più geometrico.
Nel 1952 è tornato a Bogotà e ha presentato una mostra personale dei suoi dipinti astratti alla Biblioteca Nazionale. A sua volta, iniziò a progettare un dipinto per l'edificio della Baviera, che fu installato nel 1955. Dal 1954 si dedicò a visitare i territori dell'Europa e del Nord America per esaminare le opere di vari autori, come Max Bill, Marcel Duchamp e Alexander Calder.
Nel 1956, il Museum of Modern Art di New York acquistò il suo schizzo Il bianco e nero. Nel 1958 ha disegnato il murale Il dorato per la banca di Bogotá. Nel 1959 visita Città del Messico per esporre le sue composizioni alla galleria Antonio Souza. Ha anche viaggiato in Guatemala per apprezzare l'antica città di Tikal..
In questo periodo riflette sull'universalismo costruttivo, di Joaquín Torres García. Questa teoria ha sollevato quello che era il modo ideale di vedere e fare arte. Da quel momento in poi, le creazioni di Ramírez furono caratterizzate dai loro aspetti metafisici.
Nel corso del 1960, Ramírez Villamizar si è concentrato sulla costruzione di alcuni rilievi e murales. Inoltre è tornato a New York per esporre le sue opere alla David Herbert Gallery. Nel 1964 fece parte del gruppo di autori che parteciparono all'evento Espíritu Santo, organizzato dal museo Sidney Janis per mettere in luce i talenti contemporanei..
Nel 1965 è tornato a Bogotà per erigere il Murale orizzontale per la biblioteca Luis Ángel Arango. Nel 1966 ha mostrato le sue opere sul programma Art of Latin American since Independence e ha avviato una mostra di sculture alla Graham Gallery. Nel 1967 si trasferisce negli Stati Uniti, dove assume la professione di professore alla New York University..
Nel paese nordamericano ha creato diversi monumenti che sono stati collocati nei giardini di Washington e nel museo di Houston. Nel 1968 è stato registrato alla presentazione degli scultori sudamericani, che si è tenuta dal museo di Louisville. Nel 1969 ha rappresentato la Colombia nel concorso di arte sudamericana contemporanea, che ha avuto luogo a Dallas..
Nel 1971 partecipa all'International Sculpture Symposium e mostra in particolare le sue creazioni. Poi, nel 1974, si stabilì a Bogotà, dove studiò gli elementi naturali che avrebbe rappresentato nei suoi disegni..
A metà degli anni '80, Ramírez iniziò a elaborare Il tempo delle leggi, progetto che è stato dedicato a Francisco de Paula Santander. Nel 1983 ha girato alcune regioni del Perù, grazie a quel viaggio che ha creato Ricordi di Machu Picchu. Nel 1985 si trasferisce a Washington per partecipare alla mostra Five Colombian Masters..
Nel 1990 è stato inaugurato il Museo Ramírez Villamizar. Per premiare il gesto, l'artista ha donato più di trenta opere. Nel 1993, l'Università Nazionale della Colombia gli ha conferito il titolo di Doctor Honoris Causa. Nel 2002 ha presentato la mostra Rilievi alla galleria Diners.
In questo modo si percepisce che la vita di questo artista è stata determinata dalla costante composizione e riconoscimento del suo lavoro. Morì il 23 agosto 2004. Attualmente le sue ceneri sono a Pamplona, proprio nel museo che è stato fondato in suo onore..
Il lavoro di Ramírez può essere visto come un punto di riferimento del modernismo, è anche possibile esprimere che rappresenta una nuova tappa nella storia artistica della Colombia. L'obiettivo dell'autore era che lo spettatore si connettesse con le sue creazioni. Ecco perché ha utilizzato materiali comuni, come alluminio, cartone, legno, ferro, plastica e cemento..
Inoltre, le loro opere sono generalmente unicolor. Prevalgono bianco, grigio, nero, verde, rosso, blu, giallo e ocra. Quando ha combinato i toni è stato per creare profondità e volume, motivo per cui ha messo a confronto le linee rette con le curve. All'inizio i suoi dipinti riflettevano un'idea precisa, poiché le figure definite esaltavano o criticavano l'ordine sociale.
A partire dal 1950 i contorni erano sfocati e iniziarono a mostrare forme astratte. Da quel momento i dipinti si sono caratterizzati per essere minimalisti, hanno cercato di proiettare l'essenza di base degli elementi che componevano la realtà; ma negli anni '60 si è concentrato sul design delle sculture, identificate dall'essere piatte.
Tuttavia, con il passare del tempo, le colonne hanno cominciato ad inclinarsi fino ad acquisire il proprio spazio. Alcuni dei suoi pezzi sono:
-Composizione in ocra (1956).
-Bianco e nero orizzontale (1958).
-Rilievo circolare (1963).
-Saluta l'astronauta (1964).
-Il fiume (1966).
-Ricordi di Machu Picchu (1984).
Questo murale è stato realizzato con foglietti d'oro ed è alto più di due metri. È composto da cinque pilastri orizzontali a forma di ovali che si uniscono. Vale la pena ricordare che due delle colonne si estendono e sembrano dissolversi; su questi rilievi ci sono sette figure simili a petali e al centro c'è un cerchio.
Questo lavoro si distingue perché è stato il primo ad avere una struttura tridimensionale. Per elaborarlo, l'artista si è ispirato alla visione del mondo precolombiana, dove si riteneva che nelle regioni del Sud America esistessero terre aurifere.
È una scultura lunga dieci metri che si trova nella Plaza del Centro Internacional. È costruito con lastre di ferro dipinte di rosso, arancione e nero. Comprende diverse figure geometriche -come il quadrato, il triangolo, il trapezio e il rombo- che compongono una totalità.
In base alla sua organizzazione, si percepisce che quest'opera è la rappresentazione di una nave che è appena atterrata o sta per decollare; ma a quanto pare non è in buone condizioni. Il suo design è stato influenzato dallo scheletro di un uccello. Lo scopo di questo monumento è mettere in relazione la natura con la tecnologia.
Specchio della luna proietta la caducità della vita. Attraverso i suoi piani sparsi, questo lavoro mostra che gli uomini e le loro creazioni sono destinati a scomparire. Per evidenziare quel messaggio, l'artista ha costruito il pezzo con ferro arrugginito. Inoltre, contrapponi un oggetto permanente (la luna) con uno strumento fragile (lo specchio).
Questa scultura è importante perché viene tenuta direttamente sul pavimento, senza l'ausilio di nastri esterni. È composto da una sfera divisa in due e intorno ad essa sono presenti diversi romboidi ad incastro. Le sue dimensioni sono: un metro e ventuno centimetri sia alte che larghe e lunghe ottanta centimetri.
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